*atualizado às 22h
A partir dos temas Trauma, Sonho e Fuga, a 13ª edição do Bienal da Mercosul acontece até 20 de novembro em Porto Alegre. Com exposições em dez espaços, entre eles o Margs, a Casa de Cultura Mário Quintana, o Cais do Porto e a Casa de Cultura Mário Quintana, a Bienal reúne o trabalho de 100 artistas, de 23 países – entre os quais cerca de 10 são negros e um é indígena da etnia mapuche. Com vários trabalhos refletindo sobre a pandemia e um pós-pandemia, o projeto curatorial de Marcello Dantas, com curadoria adjunta de Tarsila Riso, Laura Cattani, Munir Klamt e Carollina Lauriano, procurou aproximar o público do museu a partir de trabalhos participativos.
“Passamos um ano e meio das nossas vidas privados do contato com o outro, de uma experiência de rua. A vontade de criar uma bienal que tem uma quantidade grande de obras participativas vem disso: que a gente redescubra os espaços, que a gente redescubra a interação”, explica Carollina Lauriano, curadora-adjunta. Além de trabalhos que partem da relação de arte e tecnologia, e do foco em arte participativa, o foco temático é o luto e o trauma. “É inegável a gente pensar que a Bienal começa a ser feita durante uma pandemia. Esses assuntos permeiam coisas que a gente vivenciou, de perto ou de longe, no campo do sensível.”
Diferente das edições passadas, em que as reflexões sobre os feminismos (2020) e as relações coloniais e decoloniais entre América, África e Europa (2018) estiveram em pauta, neste ano os debates acontecem mais no campo do sensível, não tão demarcados nos discursos.
Sonhos interrompidos
Criado em 2018, após o período em que circulavam fotografias de imigrantes presos nos Estados Unidos, a instalação “Zero Tolerance Silver Clouds” reflete sobre a falsa promessa de liberdade que é dada a quem tenta cruzar as fronteiras do país. No Cais do Porto, ao lado do rio, a obra é uma estrutura em que balões prateados voam dentro de grades em uma grande gaiola. O material dos balões é o mesmo utilizado por Andy Warhol, em Silver Clouds (1966). “Quando eu via as fotos dos migrantes, utilizando cobertores e travesseiros desse mesmo material, lembrei do trabalho de Andy Warhol” , conta Marilá Dardot. “Só que nas instalações de Warhol, o público podia entrar e brincar. Apareciam muitas imagens de crianças, interagindo com os balões.”
Diferente de boa parte dos trabalhos da Bienal, que convidam o público a participar, neste só cabe o olhar. O lugar lúdico e encantador dos balões contrasta com o aprisionamento. É a primeira vez que o trabalho é exibido e, para o artista, é significativo que aconteça ao lado do rio. Com as portas abertas do Cais, os balões são movidos também pelas correntes de vento do Guaíba – como são as rotas migratórias, imprevisíveis – e que não aconteceriam em um espaço expositivo tradicional, como um museu. “Dentro do tema da Bienal – trauma, sonho e fuga – esse trabalho traz as três palavras”, observa.
Produção de minúcias
“Eu peneirava em um rio, e quando puxava a peneira, vinha um fio de linha vermelha. Eu tirava esse fio, mas ficava me perguntando de onde vinha aquela linha. Coloca de novo a peneira, e vinha outro fio. Eu pensava ‘não é possível, o que é isso?’. Adrianna acordou suando. Bebeu um copo de água e voltou a dormir. Quando acordou de novo, desenhou a instalação que hoje está no Cais do Porto, como a obra “Garimpo de Si.”
10 mil quilômetros de linha e muitas mãos foram necessários para a confecção do trabalho. “Maior do que a distância entre o Oiapoque ao Chuí”, diz a produtora responsável Fabiana Caldart. Em uma espécie de sonho suspenso, os fios de Adrianna Eu – material característico de sua produção, vazam pelas micro-aberturas das peneiras. A obra parece habitar o lugar do impossível, com escadas que não se podem subir, que não vão a lugar algum – comum ao universo onírico. Mas Adrianna não pretende falar apesar de um lugar interior ou subjetivo. O próprio nome da obra, “Garimpo”, não é uma palavra neutra, ainda mais no Brasil.
Ao ver uma obra dessa dimensão, pode surgir a curiosidade de entender “como aquilo foi parar ali?”. O processo de montagem foi um dos mais demorados, entre os mais de 100 artistas. Fabiana conta que acabaram com os estoques de linha vermelha da cidade e que, nesses contatos com os fornecedores, surge uma curiosidade para saber o que vai ser aquilo. “Precisamos posicionar todos os carretéis no chão e pegar fio a fio, levantar, passar por cima de uma corda para ela fazer o movimento de puxar e a gente conseguir desenrolar as linhas do carretel de maneira mais prática. Se a gente fosse fazer um a um, demoraria meses. Além dos fios, foram necessárias mais de 150 peneiras.
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Uma bienal sem rostos
Para ver um rosto na Bienal, o público deve olhar para si. Isso porque são poucos os trabalhos de retrato formal, representativo, ou fotográfico. Mas os espelhos estão espalhados por todos os espaços, em diferentes trabalhos. Na série de Panmela Castro “Ostentar é estar viva”, no Margs, no Cais e na Casa de Cultura, ela pixa com grafite preto frases de afeto e coragem, como “Liberte quem te ama” e “Beijo Subversivo”. O tom confessional e também questionar são característicos da produção da artista, originalmente pichadora do subúrbio do Rio.
“Esse é um trabalho sobre alteridades, sobre o coletivo. Quando a gente larga uma pichação na rua, a gente está fazendo algo transgressor. Posso falar algo para o outro e ninguém saber quem sou. Mas quando é um espelho, escrevo não só para os outros, mas para mim mesma”, explica a artista. Para ela, o pixo é um momento de fuga e de subversão. “Um instante que ninguém está olhando e que você pode se desgarrar da realidade.”
“Beijo subversivo eu escolhi para estar no museu, aqui no Margs. Vai ser a bienal do beijo. O beijo é uma coisa tão simples e causa tanto problema”. A proposta da artista já está acontecendo desde que a Bienal abriu. A obra se torna uma nova imagem a cada foto e selfie tirada no espelho. Além de artista, Panmela é também ativista e sempre utilizou o grafite para denunciar questões sociais, como a violência contra a mulher.
Ela conta que a primeira vez que visitou Porto Alegre foi em 2006, durante o Festival de grafite “Trocando Ideia”, quando ainda era jovem. “Antes de vir para abertura da Bienal, estava lembrando que fui presa aqui, porque eu estava pichando. Trampo [pixador] teve que ir buscar eu e um monte de mulher”, conta. Depois daquele episódio, Panmela rodou o mundo como grafiteira e artista.
Sob a terra
Uma criança passa correndo por baixo da terra. Adultos correm logo atrás e abaixam o corpo para chegar. Várias pessoas olham de longe com o olhar curioso, apreensivo, parecendo pensar se arriscam ou não passar por debaixo da terra. São duas camadas de terra suspensa, com folhas que vieram do parque da Redenção, e que tomam conta de toda uma sala no térreo da Casa de Cultura. A sensação ao entrar é de ser um pouco bicho, formiga, topeira, no meio da areia, entre os buracos da terra. É também de pertencer, ao cheiro de terra molhada, e estranhar, estar vivo nesse entre. E então perceber que não se está vivo ali sozinho, e que vários brotos já começam a nascer. E imaginar: o que vai ser desse futuro?
“A obra já está viva em si, mas ainda vai brotar. Me interesso por isso porque também não consigo conceber que a obra seja acabada, ela está em um processo, e ele é orgânico. Até o fim da exposição vai mudar bastante”, conta o artista C. L. Salvaro. A obra de Salvaro pede cuidado. Se não regada, morre, não brota. O trabalho acontece, então, a muitas mãos, sendo molhado e ativado periodicamente. “Essa é uma obra viva. Que vai viver por si, independente de mim. Vai sofrer todas as mudanças físicas e os cuidados que as pessoas podem ter ou não”, explica o artista.
No centro da tecnologia
No Instituto Caldeira, onde fica a mostra Transe, é possível conversar com fungos, em um sistema de inteligência artificial, ouvir sons produzidos por outras pessoas antes de você chegar no espaço, ou ver a estrutura de um grande Esfíncter. Mas o trabalho que mais chama atenção do mediador Oscar de Oliveira Isaías não é operado por computador. As Carrancas, de Pedro Carneiro, estão em roda. As esculturas, que imitam uma cabeça meio humana meio animal, eram colocadas na dianteira dos barcos do rio São Francisco para espantar os maus espíritos. No centro delas, um chão branco de sal grosso, em que se pode entrar e permanecer entre os protetores.
“Me conectei porque o trabalho tem a ver com minha ancestralidade. Pude me conectar muito com o artista e as vivências dele. O que me chama mais atenção nelas é porque parece que estão rindo. Em alguns momentos parece que as Carrancas estão conversando”, observa Oscar, também estudante de museologia da Ufrgs. Na visita mediada, enquanto caminhávamos pelo espaço, ele me perguntou o que era tecnologia para mim. Devolvi a pergunta para ele, que respondeu:
“Quando a gente pensa em tecnologia, pensa em celulares em computadores, foguetes, mais de robotização e automação das coisas. Mas para mim, é muito interessante o fato das carrancas estarem ali como invenções humanas que ajudam a gente a passar por situações e viver o dia a dia. As carrancas foram criadas para proteger primordialmente os espíritos malignos que tinham no mar. E em terra, elas se tornaram proteções de caminhos, como se fossem Exus. São grandíssimos amuletos, que ficam dispostos não na gente, mas de frente para os caminhos. Essa é minha percepção de tecnologia.”
O pêndulo e os orixás
Na entrada da Casa de Cultura Mário Quintana está a obra de Felippe Moraes. Como vários dos trabalhos desta edição da Bienal, o que é visto pode depender do dia, horário e instante da visita. No instante em que vi, um pêndulo de vidro cheio de areia branca, esvaziava-se deixando um desenho no chão. Formava uma espiral, um sistema solar, um cosmos. O grupo de pessoas que assistia se posicionava ao redor, vidrado no movimento que “naturalmente” o pêndulo fazia ao ser solto.
“Esse trabalho fala da possibilidade de tornar visível aquilo que é invisível”, explica o artista, que leva para seus trabalhos experientes científicos e questões da física e da matemática. “Lida também com o efêmero, com o instante da passagem. O espiral nunca mais vai se repetir, essa areia nunca mais na história do cosmos vai se organizar da mesma maneira.”
O invisível que Felippe trata é da ordem dos fenômenos matemáticos – todo pêndulo, como um peão, se posicionado, reproduz um mesmo movimento, mas chama também para um sagrado que não é vinculado a Deus. O desenho que se forma no chão escuro e circular, lembra o da pemba, giz utilizado em terreiros para grafar as falanges, guias e Orixás cultuados naquele lugar. Da quinta geração de umbandistas da família, o artista do Rio de Janeiro enxerga Oxalá na constituição do trabalho. “A gente finalmente vive um momento de observar nossas tradições de terreiro, seja de candomblé, umbanda, catimbó. Aqui também existe para mim uma filosofia dos orixás, porque é o próprio Oxalá em movimento. Ele é o demiurgo, o criador.”
Enquanto Felippe falava de Oxalá, algumas pessoas entravam no espaço expositivo distraídas e não percebiam que no chão tinha uma obra. A areia antes desenhada, agora, instantes depois do desenho formado, estava cheia de pisadas. Se o trabalho fala de ordem, parecia que algo se atravessava. Tropeçava, bagunçava a areia, deixava marcas da passagem. A perfeição de Oxalá parecia não se sustentar por muito tempo e Exu parecia dizer “estou aqui também”. Como no mito de criação de mundo Iorubá, em que Oxalá tenta criar o mundo sem pedir autorização a Exu, que acaba se vingando e o deixando com sede no meio do deserto, ali no trabalho de Felippe as duas entidades reivindicavam suas presenças.
